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La exposición, que puede verse en el Guggenheim Bilbao hasta el próximo 3 de septiembre, es uno de los eventos culturales de este año en nuestro país. Oskar Kokoschka: Un rebelde de Viena reúne 140 obras del pintor expresionista que incluyen cuadros, obra gráfica, litografías, carteles y postales.
Catalogado en 1908 como enfant terrible por su pintura, entonces tan rompedora como incalificable, que mostró en la legendaria exposición colectiva Kunstschau. Un tiempo en que Viena era una de las capitales artísticas europeas. La amplia nómina de personajes ilustres, entre los que destacan Gustav Klimt, Josef Hoffman, Adolf Loos, Gustav Mahler y Sigmund Freud, lo corrobora.
Se trata de una de las exposiciones más importantes del museo bilbaíno. Foto: Alfredo Cáliz
Su obra rompedora le hizo ganarse el apelativo de El gran salvaje. Escandalizador, incomprendido, radical e independiente, tiempo después fue calificado de degenerado por los nazis. Lejos de todo ello, el propio Kokoschka se denominaba expresionista: “No sé hacer otra cosa que expresar la vida”. Artista concienciado, encontró en el expresionismo la mejor manera de ser fiel a sus principios, que señalan que el artista siempre debe ejercer de alarma social.
Coorganizada con el Musée d’Art Moderne de París, donde fue uno de los acontecimientos culturales de la temporada pasada, es la exposición más importante celebrada en España, donde apenas se ha expuesto la obra del comprometido artista austriaco. La muestra recoge las diferentes etapas del periplo vital de este imprescindible del siglo XX. Su obra es un testigo que grita la época y las transformaciones que vivió. Viena, Berlín, Praga, Inglaterra, las guerras mundiales, su huida de los nazis, la posguerra y sus fructíferos años postreros en Suiza se reflejan en los trazos que se exponen en Bilbao. Los comisarios de la exposición, Dieter Buchhart y Anna Karina Hofbauer, señalaron en la inauguración la trascendencia de este creador, del que resaltaron su capacidad de innovación hasta el punto de calificarlo como visionario.
Experimentador absoluto de formas y, sobre todo, colores, estos tan rotundos como elementales, intensos y puros, lanzados con rápidas pinceladas que atrapan el sentimiento del artista. Kokoschka encontró en el cuerpo humano, y en especial en el rostro, el mejor escenario para plasmar sus ideas y capacidad de indagar. Son reseñables los diferentes autorretratos que realizó a lo largo de su vida. Su capacidad retratista no le impidió ser un gran pintor de paisajes, frutos de sus prolongados viajes por Europa, África y Oriente Próximo. También lo fue de escenas urbanas y retratos de animales.
‘OSKAR KOKOSCHKA: UN REBELDE DE VIENA’ - Museo Guggenheim Bilbao. Abandoibarra Etorbidea, 2. Bilbo. Del 17.03.2023 al 03.09.2023.
La exposición organizada por el Museo del Prado Picasso, el Greco y el cubismo analítico es una de las más importantes entre las más del medio centenar de muestras que rememoran el 50 aniversario del fallecimiento del artista malagueño. La institución madrileña subraya la intensa y, en general, desapercibida relación entre ambos maestros.
El alma inquieta del explorador que fue Pablo Picasso encontró la puerta de entrada a su mundo durante su segunda visita al Museo del Prado. Sucedió en 1897, el malagueño solo tenía 17 años y estudiaba en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Lo hizo de la mano de Doménikos Theotokópulos, alias El Greco, por aquel entonces pintor menospreciado a rango de artista de segunda.
No le importó aquella catalogación a Picasso, quien, tras iluminarse con Velázquez, Rubens, Tiziano, Goya y maestros así, sintió transmutarse con la pintura del griego. Donde el gusto de la época solo veía extravagancia, Picasso encontró modernidad. Deslumbrado, guardó en el zurrón los modos de El Greco y emprendió un camino que décadas después, desembocó en el cubismo analítico. Con la pintura del pintor griego como bastón de apoyo, Picasso, desatado, le dio la vuelta a la pintura y al rumbo de la Historia del Arte.
Descomposición de figuras y objetos, equilibrio que regala diferentes perspectivas, paleta de colores tenues, monocromos y apagados. “Picasso recupera del Greco la perspectiva aplanada”, señaló en la presentación Carmen Gimeno, comisaria de la muestra. Inspiración que el propio artista no tuvo reparos en calificar de robo. “Los grandes artistas copian; los genios, roban”, señaló al respecto. “Si mis figuras de la época azul se estiran, probablemente es por su influencia”, explicó el malagueño en cierta ocasión al fotógrafo húngaro Brassaï.
Picasso entró al Museo del Prado como copista y salió como genio. La exposición que ha preparado la institución madrileña da buena cuenta de los inicios de esa transmutación. Lo hace con cuatro picassos procedentes del Museo Thyssen, del Guggenheim de Nueva York, del Kunstmuseum de Basilea y de la Fundación Beyeler, en Suiza. Se muestran junto a cuatro retratos del Greco, que proceden del Museo del artista situado en Toledo y de una colección particular.
Su conjunto compone una extraña cofradía a primera vista. Solo la visita pausada entiende la relación y detecta el diálogo entre las pinturas. De esta manera, el San Juan Evangelista, que el Greco pintó en 1610, se entiende como el antepasado que es del Hombre con clarinete, que se posó en el lienzo de Picasso tres siglos más tarde, mientras que el San Bartolomé contempla al Acordeonista que Picasso descompuso en 1911. La pintura y su vaivén explicada por dos maestros.
‘PICASSO, EL GRECO Y EL CUBISMO ANALÍTICO’ - Museo Nacional del Prado. Ruiz de Alarcón, 23. Madrid. Del 13.06.2023 al 17.09.2023.
Junto con el cincuentenario de Picasso, 2023 viene culturalmente señalado por el centenario del fallecimiento de Joaquín Sorolla. Una de las exposiciones más personales, entre las decenas que se han mostrado y mostrarán a lo largo del año, es En el mar de Sorolla con Manuel Vicent, organizada por el Museo Sorolla y la Fundación Museo Sorolla de Madrid.
“No hay nada más estético que poderse bañar dentro de un cuadro de Sorolla”, aseguró en la presentación el escritor Manuel Vicent, justo delante de El balandrito, una de las pinturas más emblemáticas del valenciano. Establece el escritor, en esta muestra que ha comisariado, un recorrido poético a través de una cuidada selección de cuadros. Es la primera vez que una docena de ellas se muestran en público.
A través de sus textos, impresos en las paredes junto a las pinturas, aproximan al visitante a la obra y trascendencia del creador levantino. “Las pinturas de Sorolla cobran vida a través del relato literario y vivencial de Manuel Vicent”, señala Enrique Varela, director del Museo Sorolla. A lo largo de sus cuatro secciones, el visitante se sumerge en el oleaje, el color y el sentimiento mediterráneos. Relato íntimo del escritor “Te sentías héroe dentro de un mar que nadie podía derrotar”, refleja el mar como espacio de trabajo, “la mar es femenina porque te da de comer”.
“La pintura de Sorolla recoge a la otra España que no se resigna a la alegría y el placer, aunque ese placer conviva con la lucha por la supervivencia”, asevera Vicent, para quien el Mediterráneo “ha sido mi territorio espiritual. Cuando navegas por él no hay un momento en el que veas un límite”. Y ese niño, que somos todos nosotros, continúa jugando con su balandrito.
‘EN EL MAR DE SOROLLA CON MANUEL VICENT’ - Museo Sorolla. Paseo del General Martínez Campos, 37. Madrid. Del 17.04.2023 al 17.09.2023.
La creación de un centro cultural siempre es una buena noticia. En esta ocasión lo es por un segundo motivo. De no abrir sus puertas la Fundación Toni Catany, era muy posible que el importante legado artístico de este fotógrafo saliese de España, tras su desaparición en 2013. El Centre Internacional de Fotografía Toni Catany, abierto en la localidad de Llucmajor, en la isla de Mallorca, se ha construido en la que fue casa natal del artista. Incluye un fondo de 100.000 negativos y fotografías, junto con 2.000 copias de imágenes del creador llucmajorer y 300 fotografías de otros autores que formaban parte de su colección personal.
Premio Nacional de Fotografía y reconocido artista internacional, Toni Catany tuvo una formación autodidacta, iniciándose en los años 60 su trayectoria profesional. Fotografía de viajes, naturalezas muertas, paisajes, el cuerpo humano y la arquitectura mediterránea fueron sus temas más recurrentes. Su obra se expone en diferentes instituciones del mundo como la Biblioteca Nacional de París, Universidad de Parma y la International Polaroid Collection de Estados Unidos.
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El Centro Toni Catany expone este verano el trabajo del fotógrafo Michael Kenna. Es una muestra donde se contemplan las confluencias entre el trabajo de este artista británico con el de Catany a través de seis ejes temáticos: la naturaleza muerta, el desnudo, las estatuas, Mallorca, el sudeste asiático y Venecia.
Con la vocación de preservar y difundir la obra y la figura del creador que le da nombre, el Centro Toni Catany quiere convertirse en espacio referencial fotográfico, al tiempo que contribuye a paliar el secular déficit de equipamientos culturales de las Islas Baleares.
‘MICHAEL KENNA, TONI CATANY: CONFLUÈNCIES’ - Centre Internacional de Fotografia Toni Catany. Carrer del Cardenal Rossell, 2. Llucmajor, Illes Balears. Desde el 19.03.2023.
Esta exposición responde al lugar donde se muestra. Me paraliza la esperanza, última y rotunda presentación de la estadounidense Roni Horn, ha sido creada por la artista teniendo muy en cuenta la arquitectura del edificio creado por Renzo Piano donde se asienta el Centro Botín de Santander y su situación frente a la bahía.
Especial atención, por tanto, al entorno que rodea sus creaciones, así como a los notables cambios ambientales que aquí se producen a lo largo de las semanas. Diálogo intenso y cambiante entre la obra de Horn y el espacio y la luz en los que está inmersa. Es el reflejo de los cambios de identidad y del lugar explorados desde siempre por la americana.
Su obra LOG (March 22, 2019 – May 17, 2020) es el mejor exponente de esa rigurosa observación. Se trata de un conjunto formado por 406 ilustraciones, registro diario de acontecimientos y estados de ánimos que vivió la artista en el periodo de tiempo recogido en el título de la pieza.
La exhibición reúne dibujos, fotos, esculturas y obra performativa. En su conjunto, como en el resto de la obra de la creadora, tiene gran importancia el agua, elemento mutable presente en gran parte de la producción de Horn. En este sentido, señala Horn la influencia que en su obra ha tenido sus visitas a Islandia. En el territorio de la isla nórdica ha sentido la influencia de un paisaje geológicamente joven, donde el agua, tanto en forma líquida como sólida, significa cambiante. Una mutabilidad que es reflejo de nuestra propia identidad.
‘RONI HORN: ME PARALIZA LA ESPERANZA’ - Centro Botín. Muelle de Albareda, Paseo de Pereda, s/n. Santander. Del 01.04.2023 al 10.09.2023.
Una pandilla de pequeños osos multicolores retoza, se persiguen, saltan y se columpian en una de las salas. Más allá, unas cebras cabalgan divertidas sobre la nieve. No lejos, la extraña visión de un burro que navega en un bote a la deriva, tal vez rumbo a su vecina, la Estatua de la Libertad con una máscara de un emoji que tapa su cara.
La aparición de nuevas formas de expresión, de nuevos artistas, nuevos materiales y nuevas perspectivas son reflejo de ese cambio constante que es la razón de ser del arte contemporáneo. Amigos imaginarios es la muestra con la que la Fundación Joan Miró de Barcelona quiere transmitir de manera interactiva esa característica irrenunciable. Quiere hacerlo de manera especial entre los más jóvenes, el segmento social más desatendido en el mundo exhibitorio del arte. Aquí la obra de arte y su artista se convierten en un amigo imaginario. Nos espera, les espera a los pequeños, en un espacio donde el espectador se convierte en actor para descubrir de manera lúdica que todo puede ser posible.
De manera tan divertida como informal y acogedora, esta exhibición ayuda a descubrir artistas y movimientos, al tiempo que hace perder miedo al arte contemporáneo y a su desconocimiento. Es evidente que los más pequeños disfrutan a tope, pero también lo hacen visitantes de más edad, talluditos incluso.
Artistas como Paola Pivi, Kasper Bosmans, Meschac Gaba, Afra Eisma, Polly Apfelbaum, Pipilott Rist y Martin Creed, muchos de los cuales jamás han expuesto antes en un museo español, proponen con sus creaciones una interacción vinculada al juego y al ocio, desterrando el concepto preconcebido del arte como algo impenetrable.
‘AMIGOS IMAGINARIOS’ - Fundació Joan Miró. Parc de Montjuïc, s/n. Barcelona. Del 17.03.2023 al 11.09.2023.
Es bien sabido. Hace más de 4.000 años, momento en que se extinguieron, Madrid estaba poblado por mamuts. Gigantes lanudos, estos seres del pasado son los únicos mamíferos con idénticas connotaciones míticas que los dinosaurios. Estos días han regresado a la capital de la mano de CaixaForum a través de la muestra Mamut. El gigante de la Edad del Hielo.
Criaturas de absoluta actualidad, prácticamente a diario aparecen restos fósiles en diferentes lugares del mundo. Se ha secuenciado su ADN y parece anunciada su resurrección gracias a la ingeniería genética. También, y esto es interesante datarlo en este medio que otorga especial importancia a la información gastronómica, por haberse comercializado albóndigas elaboradas con un sucedáneo de lo que fue su carne.
Fascinación absoluta que gana decibelios al contemplar la muestra principal de esta exhibición. El esqueleto completo de un mamut, gigantesca osamenta de seis metros de largo y tres metros y medio de altura de un ejemplar lanudo. Es uno de los mejor conservados que existen. Perteneció a un mamut que vivió en la región de Tiumén, Rusia, hace entre 40.000 y 50.000 años. Los gigantescos y retorcidos colmillos, en realidad incisivos, que se conservan bruñidos e inmutables, son el símbolo del poder de estos animales del pasado, ancestrales parientes de los actuales elefantes.
‘MAMUT. EL GIGANTE DE LA EDAD DE HIELO’ - CaixaForum Madrid. Paseo del Prado, 36. Madrid. Del 29.04.2023 al 20.08.2023.
Es una figura reconocida internacionalmente, pero apenas en España, más allá de los sectores especializados. La artista multimediática Mireille Suzanne Francette Porte expone su potente Esta es mi historia… del arte en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Más conocida con su sobrenombre de guerra ORLAN -“todas con mayúsculas”, recalcó en la presentación de esta muestra-, es una de las creadoras más influyentes en las corrientes artísticas contemporáneas.
Absoluta protagonista, sujeto y objeto de su trabajo, la presentación de ORLAN fue una verdadera performance que incluyó transgresores posados, reprimendas a los fotógrafos, un discurso de aspiración hagiográfica y venta de libros en directo que completó el mensaje de las obras colgadas en las paredes del Círculo de Bellas Artes.
La exposición reúne una parte esencial de su creación multimediática. Con el hilo conductor de sus continuas reinterpretaciones de la historia del arte, incluye obras desde la década de los 60 hasta la actualidad. A este primer periodo corresponde la serie Autohibridaciones entre mujeres. Weeping Women Are Angry, conjunto de collages elaborados a partir de los retratos de Dora Maar llorando pintados por Picasso. Su intención está dirigida a las mujeres contemporáneas “animándolas a emanciparse y a dejar de ser objetos para convertirse en sujetos”.
Desafiante de estereotipos y cánones instalados en la sociedad actual, la francesa utiliza una irreverencia radical que le impulsa incluso a agredir a su propio cuerpo. Es el que denomina arte carnal, expresado en una serie de intervenciones quirúrgicas que, a modo de performance, han sido retransmitidas vía satélite a todo el mundo. Entre otras cosas, en ellas se hizo colocar a inicios de los años 90 implantes en las sienes. Protuberancias que luce como pequeños cuernecillos, que son su más visible identidad estética. “Buscaba mostrar una imagen de horror y de monstruosidad indeseable para afearme y alejarme del ideal de belleza”. Al cabo de los años, la veterana artista -de 76 años- reconoce que no han cumplido su objetivo. “Cuando me los coloqué, la gente lo rechazó diciendo que estaba loca. Ahora creo que son mi seña de identidad y que han aumentado mi atractivo y mi aspecto juvenil”.
Exagerada y teatral hasta la exasperación, la artista no ceja en su discurso y, antes de sentarse a vender sus libros en mitad de la exposición, asegura no estar sujeta a ningún medio. Rebelión y denuncia. “Abogo por que se supriman todas las religiones, porque todas han sido hechas para perpetuar el patriarcado y la misoginia”, concluye.
‘ESTA ES MI HISTORIA… DEL ARTE’ - Círculo de Bellas Artes. Alcalá, 42. Madrid. Del 29.05.2023 al 03.09.2023.
La Fundación Mapfre expone en la Sala Recoletos de Madrid la más completa antológica celebrada en España de Louis Stettner, dentro del festival PHOtoEspaña de este año. Desconocido en nuestro país, algunas de las imágenes más reconocibles del siglo XX han salido de la cámara de este imprescindible fotógrafo neoyorquino, que prolongó su carrera ocho décadas.
Influenciado por la cosmogonía de Walt Witman, su trabajo se extendió principalmente entre Nueva York, donde vino al mundo en 1922, y París, ciudad en la que se instaló hasta su muerte en 2017. Stettner se enroló en el ejército como fotógrafo de guerra para, años más tarde, mostrar una fuerte oposición a la guerra de Vietnam. “La guerra y la experiencia de luchar contra el fascismo le convenció de que el hombre corriente es heroico”, subrayó en la presentación Sally Martin, comisaria de la muestra.
Coloso que creó un universo de imágenes con las que recogió la realidad social cotidiana, siempre del lado de los desfavorecidos, apoyó decididamente a movimientos como los Panteras Negras. La fotografía como importante elemento de denuncia social. La gente de la calle, los personajes con los que coincidía en el día a día eran su fuente principal de inspiración. Las series realizadas en los años 40 y 50 en los vagones del metro y de Penn Station, respectivamente, poseen ese mensaje de esperanza al tiempo que desbordan realidad. Instantes cargados de vida, trama cotidiana que el espectador reconoce y en la que se incluye automáticamente.
Hombres que devoran los titulares del periódico mientras esperan en el andén, pasajeros que se han descalzado para descansar los pies, mujeres que viajan mientras piensan qué hacer de cena aquella noche. No lejos, un par de mujeres encopetadas hacen un alto en su jornada de cacería en la Quinta Avenida. Más allá, un grupo de campesinos se manifiesta en el Nueva York de los 70. Los sintecho de la serie Bowery. “Su obra es una admiración por el hombre de a pie, una oda a la humanidad”, concluye Martin.
El último periodo de su vida Stettner residió en Francia. Alejado de las calles por su edad, se centró en la naturaleza de regiones como la Provenza, donde sus instantáneas logran humanizar el paisaje.
‘LOUIS STETTNER’ - Fundación Mapfre - Sala Recoletos. Paseo de Recoletos, 23. Del 01.06.2023 al 27.08.2023.
No comenzaron demasiado bien los 80. Todo lo contrario. El intento de golpe de estado del 23 de febrero de 1981 pretendió poner freno a lo que se anunciaba inminente. La disolución de los golpistas permitió que España no involucionase. La opresión sometía a un país que cambió el traje para vestirse de libertad.
El ámbito cultural recogió de manera intensa aquellos cambios y Madrid fue el espejo de un país que despertaba de cuatro décadas de dictadura. La exposición de la Fundación Canal Madrid: crónica creativa de los 80 recoge tan trascendentes momentos. Más de 300 objetos que incluyen pinturas, fotografías, carteles, películas, hologramas, discos, películas, joyas, clips televisivos, grafitis, revistas y periódicos relatan de manera fiel y detallada aquellos momentos y sus protagonistas, que eran la avanzadilla de toda la sociedad española.
Los logros sociales y sucesos trascendentes de aquella década prodigiosa se recogen en un panel de decenas de metros. Hechos como el primer Oscar a una película española, la visita a España de Andy Warhol, apóstol supremo del por art, el nacimiento de la Feria de Arte Internacional ARCO y de la Pasarela Cibeles, las emisiones de los primeros canales privados de televisión… son algunas de las centellas de aquella tormenta irrepetible.
Terremoto de creatividad que empapó instituciones y organismos públicos, favorecedores de la cultura como nunca antes ni después. Personajes a la cabeza de los cuales es justo situar al entonces alcalde de Madrid, Enrique Tierno Galván, al que acompañaron en esta telúrica movida nombres como el resucitado Rafael Alberti, Pedro Almodóvar, Alberto Corazón, Miquel Barceló, Joan Fontcuberta y tantos otros.
Como elemento expresivo y voz absoluta de aquel tiempo, la música tiene un lugar importante en la exposición. Nombres como Radio Futura, Nacha Pop, Joaquín Sabina, Los Secretos, Gabinete Caligari y tantos otros son recordados en las 50 portadas emblemáticas de los discos más influyentes del momento. Todos anunciaban un futuro que, como reza la exitosa canción, ya está aquí.
‘MADRID: CRÓNICA CREATIVA DE LOS 80’ - Fundación Canal. Mateo Inurria, 2. Madrid. Del 19.05.2023 al 20.08.2023.
Centrada en África subsahariana, la exposición African Studies reúne en las salas de CentroCentro 22 impactantes imágenes del fotógrafo canadiense Edward Burtynsky realizadas en el continente negro entre 2015 y 2019. La exposición está incluida en la edición del festival PHotoESPAÑA.
Reconocido a nivel internacional por sus trabajadas imágenes de paisajes industriales, el fotógrafo muestra en esta ocasión el impacto del ser humano en una de las partes más virginales de nuestro planeta. Merecedor de numerosas distinciones, el trabajo de este canadiense se muestra en instituciones como el Museo Guggenheim, la Biblioteca Nacional de Francia y la Galería Nacional de Canadá.
La implacable extracción de recursos y sus consecuencias, léase construcción de autopistas, devastación de ecosistemas, urbanización sin cuento, contaminación recalcitrante y formas de vida que son esclavitud encubierta, son los ingredientes que utiliza Burtynsky para construir su discurso. El resultado son fotografías surrealistas, tanto por lo que representan como por la constitución de sus imágenes que, en una primera visión, parecen composiciones abstractas irreales. No lo son. Se trata de visiones reales, vistas aéreas de puntos calientes de la malignidad que asola un continente entero.
Las minas de diamantes Kimberley y las de oro de Overburden, ambas en África del Sur, las espumas revueltas de la Gran Presa del Renacimiento, que será la más grande de África, el contaminado delta del Níger, en cuyas orillas se arraciman miserables chabolas, son algunas de estas turbadoras imágenes.
‘AFRICAN STUDIES. EDWARD BURTYNSKY’ - CentroCentro. Plaza Cibeles, 1. Madrid. Del 09.06.2023 al 01.10.2023.
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